Es difícil explicar la sensación de descubrimiento cuando consumes cualquier tipo de producto (literatura, música, cine, videojuego) sin la más mínima referencia; nadie te recomendó esa joya, la descubriste tú solo. Después lees todo tipo de crítica, y confirmas (o no) la genialidad de lo que acabas de ver y sientes una satisfacción absurda. Eso me sucedió hace aproximadamente diez años con Ace Attorney (2012, Takashi Miike), adaptación cinematográfica de Phoenix Wright: Ace Attorney (2001, Capcom), una novela visual sobre abogados que alcanzó una popularidad inmensa en Japón y demoró unos años en ser traducida al inglés.
El mundo de la peli representa una distopía donde, debido al alto índice de crímenes, los juicios solo duran (a lo sumo) tres días. Hay poco tiempo de investigación, y el mayor peso cae en los testigos, por lo que buscar inconsistencias en esas declaraciones se vuelve el punto más importante en el juzgado. La trama gira alrededor de un abogado novato, Phoenix Wright, que de un día a otro se ve envuelto en una serie de casos de alto perfil. Su poca experiencia le juega malas pasadas, pero con la ayuda de diferentes aliados logra enfrentar situaciones bien inverosímiles.
La película toma tres de los cinco capítulos de Phoenix Wright: Ace Attorney, a los cuales le cambian muchísimo para adaptarlos de la mejor manera, pero sin modificar el espíritu del videojuego y manteniendo a los juicios como el eje principal de la narrativa. Entre otros elementos que también respeta, están los giros absurdos de la trama para buscar una sorpresa en el espectador, y la sensación de estar todo el tiempo al borde del precipicio, a punto de ser derrotados, solo para que Phoenix sea salvado deux ex machina mediante. Y por supuesto, no podían faltar los clásicos gritos “Objection!!” y “Hold it!!”, antesala de un descubrimiento maravilloso o de un momento de vergüenza absoluta.
Por otro lado, Takashi Miike agrega varios conceptos a su cinta que no existen en el videojuego. El más significativo es la conversión de los juicios en un espectáculo circense: un duelo entre el defensor y fiscal, donde el acusado ocupa un lugar secundario, y lo importante es mantener un récord impecable de victorias. El espectáculo judicial es tan grande que, antes de dar inicio, ambos abogados se saludan al estilo de dos rivales en un deporte de combate; y como en un deporte de combate, las entradas pueden comprarse. La vestimenta del público, absurda y variopinta, nos deja claro que la mayoría no está ahí por su interés en el caso, sino por la escaramuza verbal que podrán disfrutar. Y una vez comienza el proceso, los protagonistas usan todo tipo de trucos: ocultan pruebas, influyen en las declaraciones de los testigos, “siempre dentro de la ley”, y eso lo pongo entre comillas porque la peli no se toma nada en serio y en estos juicios cualquier locura puede ocurrir: por ejemplo, un loro puede ser llamado a declarar.
Otra de las incorporaciones de Miike es el uso de hologramas para mostrar evidencias en las examinaciones cruzadas, momentos donde se presentan las pruebas que deciden el destino del acusado. Con este pequeño detalle, el combate entre ambos se vuelve épico, al lanzarse unos a otros en el rostro las pruebas que “ridiculizan” sus teorías. Para llevarlo un poco más lejos, en un flashback de quince años, en lugar de hologramas se usan pantallas de tubo catódico, un detalle menor que busca la inmersión del público en este universo y, a su vez, ser consecuente con una línea temporal. Esta particularidad a la hora de presentar las pruebas busca también aumentar el carácter de espectáculo de los juicios, así esos instantes humillantes y espectaculares permiten una participación directa del público, que se comporta justo como el de Alina of the Arena (2022, PINIX).
La dirección de arte es uno de los puntos más fuertes de la cinta. Encargada en este caso de mantener un estilo fiel al del videojuego, como en los peinados puntiagudos pero sin ser ridículos, el vestuario de los protagonistas o los múltiples personajes que solo aparecen unos segundos en cámara, logra transportarnos a ese mundo híbrido creado entre el videojuego y la imaginación de Miike. Sin embargo, si hay un aspecto a resaltar, es el de las actuaciones de sus tres protagonistas: Hiroki Narimiya en el rol de Phoenix Wright, Takumi Saitoh como Miles Edgeworth, y Ryo Ishibashi como Manfred Von Karma. Cada uno representa a la perfección las diferentes posiciones de los abogados y le dan una profundidad inmensa a sus personajes: motivaciones y carácter que no tienen tanto peso en el juego. Quizás Takumi Saitoh lo tenga más fácil gracias a la evolución de Miles Edgeworth y su pasado trágico, aunque es imposible ignorar el amplio espectro de Hiroki Narimiya como protagonista, pasando en un instante de la más vigorosa actitud a la total desmoralización, muy al estilo del anime.
Takashi Miike es un director de cine más conocido en occidente por su obra ultraviolenta y de gore y no tanto por sus adaptaciones de mangas, animes y otro videojuego: Yakuza (2005, Sega). De hecho, la primera escena de Ace Attorney parece tomar el rumbo de sus largometrajes más conocidos, con una recreación del infierno bien impresionante y macabra. Por suerte, es solo un espejismo: la peli en cuestión es una comedia bastante ligera, que busca entretener e impresionar a sus espectadores con el efectismo más sencillo (no por esto de mala calidad); de hecho, la traducción literal del título en japonés sería “Juicios de cambio de rumbo”, lo cual nos da una idea del camino que toman. Aun así, se me hace llamativo cómo el director se aleja de la violencia, un recurso que sabe manejar a la perfección, para regalarnos una de las mejores adaptaciones de todos los tiempos de un videojuego al cine.
Trailer:
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